I Nabis, Gauguin e la pittura italiana d’avanguardia
Rovigo, Palazzo Roverella
17 settembre 2016 – 14 gennaio 2017

Nota Informativa

Le sezioni della Mostra
(testo del prof. Giandomenico Romanelli, Curatore)

1. La Bretagna di fine Ottocento

La Bretagna di fine Ottocento costituisce un vero crogiolo di esperienze estetiche per un consistente numero di artisti provenienti da varie parti d'Europa e dall'America.
La bellezza aspra e incontaminata del luogo, i costumi e l'attività degli abitanti, pescatori e contadini, le loro credenze religiose e i loro riti paiono soggetti stimolanti e affascinanti per artisti alla ricerca di esperienze nuove, diverse e genuine rispetto al clima e alle mode del mondo parigino, prima di diventare essa stessa, la Bretagna, un luogo in qualche modo turistico e, almeno per i pittori, alla moda.
È un'arte intrisa di simbolismi, di spiritualismo, di religiosità.
Alcuni degli artisti di questa prima stagione "bretone" si distinguono per una attenzione particolare agli usi e alle tradizioni religiose della regione: processioni, perdoni, feste popolari. Charles Cottet, francese, acquista grande fama con serie pittoriche, appunto, di soggetto bretone: costumi folkloristici, le cuffie bianche delle donne, i baldacchini e le statue in scene prevalentemente cupe e drammatiche. Altri, come lo scozzese Robert Brough, sono più attenti alle atmosfere argentate, notturne, sentimentali che ancora evocano le sue origini insulari.
Paul Gauguin, qui presente con un capolavoro degli esordi, Vacche all'abbeveratoio, giunge a Pont-Aven, cuore, assieme a Le Pouldu, dell'esperienza bretone, una prima volta nel 1886. Poi vi tornerà per lunghi soggiorni dal 1888 al 1891, data della sua partenza per Tahiti e le isole Marchesi.
È qui, nell’ambito di quella che viene chiamata Scuola di Pont-Aven, che egli abbandona i modi della sua prima formazione di stampo impressionista al seguito di Camille Pissarro, per sperimentare un linguaggio nuovo, semplice, sintetico, primitivo. 

2. Alle origini del Sintetismo. Emile Bernard e Paul Gauguin

Il rinnovamento artistico che matura nel  mondo bretone ha la sua nascita tra l'estate e l'autunno del 1888. Ne sono protagonisti in prima persona il giovanissimo Emile Bernard e il già maturo Paul Gauguin. Essi, dopo una condivisione totale degli ideali estetici, giunsero a una clamorosa rottura, proprio attorno alla disputa sul primato del nuovo lessico pittorico.
Altri giovani ne seguiranno prontamente le tracce: Paul Sérusier (autore del piccolo paesaggio quasi astratto noto con il titolo di Talismano), Maurice Denis, Paul Ranson e altri. Il nuovo corso è ben illustrato da due fondamentali parole-chiave: Nabis (cioè profeti, con trascrizione libera dall'antica lingua ebraica) e Sintetismo, che ne riassume i principi estetici: rifiuto del naturalismo e della verosimiglianza, colori elementari e compatti dentro a campiture delimitate da linee scure (cloisonnisme), rinuncia ai dettagli e semplificazione massima delle forme.
In mostra compaiono celebri testi-chiave di questa scuola e in assoluto le prime realizzazioni del più giovane fondatore del movimento. 

3. Profeti e pellegrini. La poetica dei Nabis 

Nabis, come s'è detto, è la definizione che un gruppo di giovani artisti che gravitavano per lo più su Pont-Aven da di sè fin dal 1889. Profeti di un'arte nuova, ingenua e semplificata, dal disegno sintetico e dai colori piatti, compatti e luminosi come lacche.
Il movimento si sviluppa per una decina d'anni (1889-1900) presentandosi come una corrente serrata e omogenea, nonostante le differenze e le articolazioni al suo interno, spesso sulla scia e l'insegnamento di Gauguin. 
La ricerca di primitivismo si mescola con il gusto dell'esotico, la vita comunitaria spinge al confronto delle esperienze e alla creazione di un immaginario condiviso, gli stessi atteggiamenti e stili di vita tendono a creare un'area separata e quasi iniziatica, a coltivare interessi religiosi e a trattare argomenti della tradizione mistica sia cristiana che ispirata agli antichi culti locali. Per alcuni del movimento le scienze occulte in voga all’epoca furono motivo di grande attrazione tra esoterismo e teosofia. Sono quindi presenti in questa sezione della mostra opere di Paul Sérusier, Charles Filiger, Paul Ranson, Jan Verkade, Georges Lacombe e dello svizzero Cuno Amiet oltre ad un cospicuo nucleo di dipinti di colui che fu il teorico del movimento: Maurice Denis. 
Il movimento si schierò a favore di uno spiccato soggettivismo, della trasfigurazione onirica, delle linee sinuose e dei contorni marcati e chiusi, dei colori decisi e primari, del simbolo. Grande influsso esercitò sul linguaggio dei nostri artisti la fortuna dell'arte giapponese, specie nella moda e nell'arredo. I Nabis coltivarono le arti applicate, la decorazione, la creazione di spazi domestici di elegante e inconfondibile caratterizzazione.
La stagione dei Nabis segnò davvero la nascita dell'arte moderna. 
Coniugandosi e confluendo in molte delle correnti artistiche in voga nell'Europa di fine Ottocento il Sintetismo Nabis contribuì alla nascita di altre fondamentali esperienze artistiche, dai Fauves all'Espressionismo fino ad alcuni qualificanti caratteri dell'Art Nouveau. 

4. Burano-Bretagna e ritorno

La lezione e l'esempio dei Nabis-Sintetisti ebbero larga accoglienza e fortuna addirittura europea. I giovani artisti italiani, in particolare, che fin dal medio Ottocento conoscevano la strada di Parigi, furono anch'essi stregati dal richiamo del primitivismo bretone. La frequentazione delle prime Biennali veneziane (dal 1895) li spinse ulteriormente a cercare di entrare in sintonia con le novità sintetiste.
Il veneziano Gino Rossi fu il capofila di tale nuova migrazione: dopo Parigi, la Bretagna nel 1906 e i Paesi Bassi: ne trarrà un insegnamento fondamentale, ma egli non sarà il solo. 
La pittura di Rossi in questa sua prima stagione è sorprendentemente in sintonia con il mondo gauguiniano e Nabis. Rossi riconoscerà nella laguna di Venezia una sorta di nuova Pont-Aven, ma è il rigore della ricerca e l'affinamento espressivo che testimoniano la serietà e la profondità del suo itinerario etico oltre che artistico. Al suo fianco un gruppo di giovani che ne condividono in tutto o in parte le esperienze: soprattutto il grande Arturo Martini, anch'egli a Parigi, Umberto Moggioli, Tullio Garbari. Tra Burano e la neonata Galleria di Ca' Pesaro animata dalla leadership del direttore Nino Barbantini si forma una avanguardia di sperimentatori geniali in bilico tra suggestioni diverse ma entrambe nel segno della agognata modernità: il Sintetismo di matrice francese e la Secessione austro-tedesca.   

5. L'estetica della semplicità tra seduzioni borghesi e intimità domestiche

L’ ‘estetica della semplicità’ allarga i suoi interessi ad ulteriori soggetti e ingloba, soprattutto, le nuove idealità borghesi.
E’ un filo rosso che esalta un altro approccio, un’altra lettura di forme luci e colori: quella che si percepisce nel gusto degli interni, nella domestica condivisione di spazi, ‘tagli’ e costruzioni in cui protagonista è un’intimità calda e ambigua, teatro di sentimenti domestici, non meno che tradimenti e seduzioni, avventure dell’anima e piaceri della carne.
Spicca la figura di Felix Vallotton, formatosi nel crogiolo di Pont-Aven e che piega quell’estetica ad una personalissima scrittura poetica di ineguagliabile efficacia pur nella semplicità degli strumenti linguistici utilizzati (eccelse sono le sue celebri serie del bianco e nero). 
Un percorso analogo a quello compiuto da Vallotton è quello vissuto dal poco noto livornese Oscar Ghiglia, amico e sodale di Modigliani. Le sue opere in mostra stupiscono per la contiguità con la pittura dello svizzero esattamente negli stessi anni e per l’analogia dei mirabili risultati pittorici.
Suggestioni dell’estetica sintetista rimbalzano in termini articolati in artisti italiani destinati poi a intraprendere altri itinerari. Felice Casorati, Mario Cavaglieri, Cagnaccio di San Pietro sembrano confrontarsi con gli epigoni del mondo sintetista ricavandone risultati talvolta in linea con essi e tal altra divergendone ma sempre su un livello qualitativo di eccellenza.
Anche un tema tipicamente accademico -il nudo- compare riccamente rappresentato in questa sezione della mostra. Per alcuni artisti è un esercizio raffinato e rigoroso fino a lambire i territori della emergente Nuova Oggettività in un linguaggio cristallino ed esatto (Cagnaccio di San Pietro). Oscar Ghiglia e Felice Casorati affrontano il tema con una libertà di disegno e di tecnica pittorica che, nei tagli originali e semplificati della scena, richiamano esplicitamente quel ‘fascino della semplicità’ che caratterizza inconfondibilmente un importante filone della pittura del primo Novecento.